LES ARTISTES


ARTOF POPOF 

 

Artiste peintre urbain, Artof Popof partage son art entre le pinceau et la bombe. Dès 1989, il participe activement au mouvement naissant du Graffiti en France.Les murs fades qu’il croise ne tardent pas à reprendre des couleurs, et au gré de ses collaborations, ses grandes fresques murales tatouent les murs de Paris, de New York, de Delhi et d’autres cités encore.En parallèle, ses travaux sur le béton lui ouvrent les portes des beaux-arts où il travaille les bases de la peinture classique.  Né en Union soviétique en 1975, Popof garde un lien fort avec son pays d’origine. À Moscou puis à Paris, il grandit entouré d’artistes et d’intellectuels issus du mouvement anticonformiste russe d’après-guerre. Son père Aleksandr Ginzburg, journaliste dissident, luttera toute sa vie pour les libertés culturelles en U.R.S.S. Il endurera des années de goulag, une expatriation forcée, et continuera son travail de journalisme en France. C’est au croisement de ces cultures que Popof développe son art. Dans la rue ou dans  son atelier, il mélange les techniques et développe des outils qu’il adapte aux différents supports. Les lettres de son nom s’allongent et se transforment en 5 lignes parallèles qui s’entremêlent et se superposent. Sur toile ou sur mur, ces sillons deviennent sa signature graphique. Trait d’union entre l’intime et le collectif, l’art de Popof questionne le rapport de l’humain à l’urbain. Sa peinture transcrit avec finesse les lumières et les matières de la ville. Sa cité est vivante et hantée d’histoires. Entre tags, portraits, architectures, textes et textures, on y retrouve l’empreinte du temps dans un subtile équilibre entre le délicat et le brut.En 2002, il organise et anime avec son frère, Sania Ginzburg, les sessions Slam & Jahm au squat artistique de la Fonderie à Bagnolet, et devient lui aussi poète-slameur. Il crée en 2005 le festival “Traits d’Union” à l’Albatros (ancien studio des frères Pathé à Montreuil), dont l'édition 2015 a rassemblé plus de 250 artistes et 12 000 visiteurs en quatre jours.

 https://www.artofpopof.fr/

https://fr-fr.facebook.com/people/Artof-Popof/100009499345592

https://www.instagram.com/artofpopof/

popof.tdu5@gmail.com

 

 


 

POPAY

 

Pionnier du mouvement graffiti en France dès le milieu des années ’80,Juan-Pablo ””’POPAY””’ De Ayguavives vit et travaille à Paris.Renouvelant les canons -américains- du graffiti Hip-Hop sous diverses influences (Bande-dessinée, Figuration Libre ou Art Moderne…), Popay, tagger virtuose, maître es-calligraphie, est un des premiers artistes européens à avoir renouvelé le genre en agrémentant ses fresques de personnages picaresques, de paysages prolifiques et de ‘Freestyles’ fiévreux, abstractions lyriques et organiques d’une grande force et d’une réelle variété chromatique.C’est alors déjà un ‘writer’ et coloriste hors-pair dans ce mouvement émergent en marge du marché de l’art, qui ne se fait pas encore appeler ‘Street Art’.En termes de médium, Popay diversifie très tôt son activité plastique, au tournant du virage numérique, ne se cantonnant pas à la rue, ne se contentant pas des outils traditionnels, aérosol et marqueur. Il produit une multitude d’œuvres sur toile, mais aussi d’illustrations, dans des domaines très variés: fanzines, flyers, affiches, pochettes de disque, publicités, bandes-dessinées. Il s’initie également à l’infographie, au compositing et aux effets-spéciaux cinématographiques.En parallèle à l’activisme quasi-puriste de la peinture clandestine et urbaine, fondé sur l’exemple d’outre atlantique, le style de Popay insuffle une liberté stylistique nouvelle, entre Punk, Rock Alternatif, et Hip-Hop. C’est un autodidacte qui, bien que n’ayant jamais intégré officiellement quelconque école d’art, ne néglige aucun style pictural, fut-il académique. Hormis les nombreux ‘crews’ graffiti alors très actifs à Paris, en électron libre, il hante les différentes écoles parisiennes (Beaux-Arts, Arts-Décoratifs, facultés d’Art Plastiques…) ainsi que différentes friches et squatts d’artistes (Les Frigos, Le Pôle Pi, La Miroiterie, etc…) 

https://www.instagram.com/popay_de_ayguavives/ 

 https://popay.fr/


 

AU PAINTING

 

j utilise 2 styles de peintures noire et blanc et couleur 

1= Noir et Blanc sur la Dualité

Êtres complexes, nous luttons contre des courants à la fois opposés et complémentaires.

Cet affrontement et ce mélange forgent notre propre personnalité et constituent notre être propre.

La dualité nous fait sentir et ressentir des émotions. 

Elle nous guide dans nos choix.

2=Couleur sur les energies

La couleur représente les energies qui nous entoures,qui font ce que nous sommes a l instant présent

 

FB = AU PAITING

Site Web = au-painting

 


 

JEFF BAILLARD & KASS

 

Digit’alkemixst et VJ-Kseen vous présentent ‘ELECTRIPPYCAL’, une performance de musique Tech-House accompagnée de vidéo-projection psychédélique.

Facebook page et Instagram: @electrippycal #electrippycal

YouTube: Digit'Alkemixst & KSeen

SoundCloud: Digit'Alkemixst

 


 

VINCENT BARGIS / M7 

 

Vincent Bargis M7 propose des œuvres entre art optique et art cinétique, ses créations invitent l’œil de celui qui les découvre à une expérience visuelle marquante.

Toujours en recherche d’évolution dans sa technique et grâce à son entourage peuplé d’artistes de tous bords, il réussit à unir art plastique, art graphique et art de rue. Au-delà des fresques qu’il peint en répondant à des commandes spontanées et dans les événements d’arts urbains, Vincent

Bargis M7 est sensible au respect de l’environnement et s’intéresse au phénomène d’accumulation

provoqué par l’obsolescence programmée des objets. Son processus créatif actuel est l’UPCYCLING des tickets de métro parisiens avec lesquels il crée des collages complexes.

https://www.facebook.com/VincentBargis

https://www.instagram.com/vincent_bargis_m7/?hl=fr

vbargis@gmail.com

http://vbm7.com/

 


ALEXEI BATOUSSOV & MARIA EROKHINA

 

 Ils travaillent ensemble depuis 2011. Tout deux ont été formés à l’ecole des beaux arts de st petersbourg bien qu’à deux époques différentes. c’est autour du tissu, qu’ils explorent leur créativité. mode, costumes scéniques, habillage d’extérieur, leur champ d’action est multiforme. ils s’exposent à paris mais également à berlin, à auroville (inde) et bien sûr à saint pétersbourg

pour témoigner de ce qui peut encore déranger et habiller l’âme de la population aujourd’hui.

https://www.facebook.com/abatoussov

https://www.facebook.com/maria.erokhina.77

 


 DOCTEUR BERGMAN

 

 Vivant à Paris, docteur Bergman est un artiste pochoiriste.

Après une thèse de biologie moléculaire, la science et docteur Bergman se sont mutuellement tournés le dos.

C'est naturellement vers le pochoir que le docteur s'est tourné, parfaisant sa technique au fil des années pour

des oeuvres toujours plus complexes à réaliser, multipliant les couches et expérimentant différentes techniques

de colorisation. Ses toiles sont généralement sombres et puissantes mais peuvent aussi être pleine d’humour et

de couleurs. Ses oeuvres vont du portrait aux décors urbains en passant par les images d’archive ayant marqué

l’histoire. Une grande partie de son travail est en outre consacrée aux animaux. Il partage ses vues sur la nature humaine en collant ses oeuvres sur les murs de Paris.Il expose ses oeuvres dans diverses galeries de Paris essentiellement et réalise des décorations d’intérieur ou d’extérieur.

Usant de projections ou de quadrillages, il réalise des pochoirs grand format adaptés à toutes tailles usant tantôt

la bombe, tantôt le pinceau. Il a ainsi réalisé des fresques à Bruxelles, Montreuil, Paris, Bellac, Caen…

http://docteurbergman.com/

 


BRICE DU

 

Loin des circuits officiels et des soucis de rentabilité, Bricedu s’exprime avec humour à travers ses frasques murales. Pollution, politique, injustice sont ces thèmes de prédilection et le pochoir son moyen d’expression. Très actif au sein de l’atelier des Epernons à Montreuil (collectif d’artistes//ateliers//évènements), il y a son atelier.

https://www.facebook.com/bricedu 

https://www.instagram.com/bricedu_

bricedudub@gmail.com

 


 

CALIGR

Né en 81 Aspirer par le graffiti à la fin des années 90 , allant de voie ferrée en terrain vague, de la fresque à la toile, CALIGR exprime son univers figuratif, d'ombre et lumière toujours en quête de réalisme et de spiritualité.

Caligroner@hotmail.com 

Fb : caligr oner

Insta : caligr_one

 


PAOLO CAMPANELLA

 

Paolo Campanella commence très tôt à s'intéresser à la photo, d'abord avec l'appareil familial un Kodak instamatic , puis pendant plusieurs années découvre l'argentique noir et blanc, et ses premiers boitiers reflex. L'ère du numérique le fascine et s'exerce à plusieurs techniques dont le light Painting pour exécuter des portraits Il se fait remarquer par son œil notamment pour ses photos du Cirque Electrique, et fait plusieurs parutions dans la presse, Elle, Télérama, Trax, Le Parisien.

https://www.facebook.com/Paolo.s.c.Campanella58

 

 


 

CARLO  AMEN

Carlo Amen artiste plasticien et tatoueur. Né dans le nord de la France en 1985, j'ai grandi avec deux parents artistes, et quand on grandi avec de la peinture sur toutes les poignées de portes, c'est assez simple de prendre le pli...Ce qui m'inspire. Le quotidien m'inspire :Les paroissiens du métro, les escaliers en colimaçon, le trampoline, les gens qui donnent du pain aux pigeons parisiens, la musique des années 80, également la créativité qu'on peut observer dans la danse contemporaine et le kitch des concours de beauté pour chien... Mais ma plus grande source d'inspiration, c'est "le voyage"; Il m'influence beaucoup, notamment dans mes choix de couleurs. Du Mexique à Istanbul. De Reykjavik à Sarajevo en passant par l'Asie ou l'Océanie, c'est difficile de ne pas être influencé.Durant ces 14 dernières années, j'ai eu la chance de vivre dans 5 pays différents et de parcourir plus de 25 pays. Ce qui aide à ouvrir les portes de la curiosité et également a fait grandir ma passion pour les arts premiers, l'architecture et le contact humain. Définir mon Style : Il y a une certaine nostalgie dans ce que j'appelle « Le néo cubisme », car le mouvement cubiste à émergé à Paris au début du XX siècle et a été interrompu de plein fouet par la guerre de 1914-1918. Aujourd'hui, un nouveau souffle est en marche et je remarque que plusieurs artistes émergent… Mon approche du cubisme c'est également une manière de rendre hommage aux grands hommes du siècle dernier Henri Matisse, Auguste Herbin, Pablo Picasso ou les peintures du le Corbusier ….

https://www.facebook.com/carloamentattoo/

 


GERMAIN CAMINADE

 

VOILÀ UN PEINTRE DE CE SIÈCLE QUI POUR DONNER LE JOUR AUX IMAGES PROJETÉES PAR SA CRÉATIVITÉ UTILISE LES MOYENS LES PLUS CLASSIQUES ET LES PLUS ÉPROUVÉS DE SON ART MILLÉNAIRE : LA PEINTURE. AUJOURD'HUI, COMME VOILÀ QUATRE OU CINQ CENTS ANS LES ARTISTES LES PLUS IMMÉMORIAUX, LES VINCI, LES RAPHAEL, LES TITIEN…, IL VA DIRECTEMENT AUX PIGMENTS ET LES TRAVAILLE À L'HUILE. GERMAIN CAMINADE N'EST PAS, MAIS PAS DU TOUT, UN ADEPTE DE L'ACRYLIQUE NI DES COULEURS PRÉFABRIQUÉES VENDUES EN TUBES OU EN BOCAUX. IL NE COURT PAS APRÈS LE VITE-FAIT NI L'APPROXIMATION INDUSTRIELLE. LA PEINTURE POUR LUI EST UN SACERDOCE ET UNE ÉTHIQUE.SA PALETTE JOUE DANS LES GRANDES LARGEURS ENTRE LE VIF INOUÏ DES JAUNES, DES VERTS, DES ORANGE EXTRÊMES ET L'APAISÉ DE TEINTES PLUS CALMES. IL LUI FAUT DONC ALLER CHERCHER PATIEMMENT DANS LES OXYDES, LES CRISTAUX, LES MÉTAUX, LES FLUOS… LES ÉLÉMENTS COLORÉS SUBTILS QUI CORRESPONDENT EXACTEMENT À SON DÉSIR ET QUI DONNENT À SON TRAVAIL SUR LA TOILE LEUR SPÉCIFICITÉ, LEUR ORIGINALITÉ, LEUR VALEUR. GERMAIN CAMINADE DOIT, DANS SA RECHERCHE QUASI ALCHIMIQUE, FAIRE JAILLIR LA TEINTE LA PLUS EXACTE ET PRÉCISE. SA QUÊTE DE LA TONALITÉ JUSTE EST UNE ASCÈSE À LAQUELLE IL SE LIVRE. SI L'ON VEUT BIEN ÊTRE UN TOUT PETIT PEU PLUS PERSPICACE ET LIRE SOUS LES LIGNES OU ENTRE ELLES CE QUE NOUS PROPOSE LE PEINTRE, ON PEUT DÈS LORS COMPRENDRE ET VOIR QUE CES TROIS DIRECTIONS SONT FINALEMENT PARALLÈLES, COHÉRENTES, CONGRUANTES ET QUE LES FINALITÉS DES UNES ET DES AUTRES, DANS UN TRAVAIL ACHARNÉ DE RECHERCHE ET D'EXPLORATION, AFFIRMENT LA SUPRÉMATIE DE LA COULEUR ET DE LA PEINTURE. POUR APPROCHER LA VÉRITÉ DE L'ARTISTE.

http://www.germaincaminade.com/

 


BERTRAND DE COINTET (SOLID'ARTS OF)

 

Les tableaux sont peints à l'huile sur toile brute, de manière très spontanée. La réalisation est très

rapide, généralement entre vingt minutes et deux heures maximum. Peinture prise sur le vif comme un polaroid qui donnerait une image instantanée, il s'agit d'une représentation du réel, avec une approche naturaliste. Toutes ses œuvres sont tirés d'élements du quotidien, que l'on croise sans forcément y faire attention, afin de savoir où l'on est, dans l'objectif de comprendre l'ambiance, la lumière et l’espace.

 

 


CSS JPEG

 

Jenfi dit cssJPG, développe une forme d’art participatif destinée à

sensibiliser et à questionner le plus grand nombre sur les enjeux environnementaux.

Particulièrement impliqué dans la vie culturelle et sociale, il réalise un travail d’investigation en lien avec notre environnement

(naturel, social, urbain, virtuel et intime) qui forme la base de sa réflexion artistique. En nourrissant une approche interdisciplinaire, cssJPG développeune vision pluraliste de l’art, qui facilite le transfert de compétences et de savoir-faire, pour faire de la créativité un moteur de développement social.

https://www.facebook.com/jenfi.guschu

https://www.facebook.com/lesbjrs/

 


 

DGIZ

 

Dgiz est un artiste slameur, rappeur, comédien et contrebassiste, il est le roi du BaaP, bass'n rap.

Improvisateur hors pairs et caméléon de l'écoute il est connu comme le loup blanc dans l'est parisien.

https://www.facebook.com/karimdgiz


DJALOUZ

 

Le travail de Djalouz prend forme avec les éléments qui l'entourent. "Ensemble", ils créent une mélodie qui s'inspire de la mélancolie du lieu. La rue est son aire de jeux : il y trouve les différentes surfaces qui lui permettent de matérialiser son œuvre. Son champ d'expérimentation n'a pas de limites, car lorsqu'il n'y a ni toiles, ni murs... reste la voie de son imagination...!

https://www.facebook.com/djalouz/

 


 

DIANE DE LA ROQUE 

 

Après des études de Restauration de tableaux en Italie,je me suis engagée dans une carrière indépendante avec mon propre atelier en parallèle de celui de Drouot.

Depuis toujours attirée par les visages et les corps dans toutes leurs expressions et émotions je continue mon travail de peinture.

2014 ,Nouvelle orientation artistique ancrée dans le Présent.

Début de collages dans la rue, suivis de peinture de rue ,qui m'emportent vers d enrichissantes découvertes des autres et moi même.

Ma recherche personnelle et incessante est axée sur l'émotion transmise au travers des visages et de la couleur,un dialogue sans paroles.

https://www.instagram.com/delaroquediane/

https://www.facebook.com/diane.vincent.96

 


DROPE

 

Né en 1977 en Normandie, cet artiste peintre autodidacte parcourt les rues d’Evreux  en y laissant sar Tace en tant que graffiteur.

Passionné, son envie de partager son art le fait voguer de démonstrations en prestations,

d’événementiels et expositions pour toutes sortes de public et de lieux. Style éclectique, ses peintures naissent de l’humeur du jour.

http://www.galerie-com.com/artiste/drope/3226/

dropeoner@gmail.com

instagram: onerdrope

https://www.facebook.com/dropeoner 

 

 


EARL

 

Julien Cadou, dit Earl, est un artiste plasticien qui privilégie la sculpture comme moyen d'expression mais qui s'affirme également par la peinture.À l’âge de 8 ans, il apprend la céramique à l’école et ne l’abandonnera jamais. Attiré par l’art modeste, les travaux d’Hervé Di Rosa ou de Grayson Perry, Earl a développé une vraie sensibilité pour l’art populaire.

Se voyant comme un animal instruit, il a aiguisé au fil des ans son écriture énervée pour s’exprimer « par urgence ». Depuis quelques années, il présente de façon volontaire les œuvres qu’il sculpte avec le ventre : « Je ne sais faire que ça » dit-il, proposant un art « cru mais un peu éduqué ». La culture populaire, ses souvenirs d’enfance et les visages qu’il croise l’inspirent. Son œuvre présente un bestiaire infernal composé de monstres effrayants, super-héros déglingués, personnages cagoulés très expressifs. Il intègre régulièrement dans ses sculptures des éléments de récupération comme du bois, de la fourrure ou des cheveux. En 2011, l’éditeur Classic présente Lapinozore, un leporello pour enfants, faussement naïf, relatant les frasques d’un monstre en céramique grotesque dans son quotidien. Ce qui intéresse  Julien Cadou en tant que céramiste, c’est la matière, l’accident, l’imperfection, tout ce qui donne une expression et une personnalité à son travail.

Ancré dans son époque, il aime le contraste entre la fragilité de la matière et sa durée dans le temps, faisant de la céramique contemporaine la future céramique ancestrale.  

L’utilisation de techniques et de matières nobles pour créer un sujet brut et imparfait engendre un travail oxymorique qui fait l’identité et le charme incongru de son œuvre.

Instagram : @jcearl01

 

 


MISTER EMA

 

Depuis ses premiers tags en 1989, ema n’a d’autre préoccupation que de faire évoluer son nom. Trois lettres, pleines ou creuses, déclinées sous différentes formes typographiques, en volumes, dynamiques et sous plusieurs techniques (pochoir, aérosol, acrylique, aérographe...). le lettrage 3d et les trames sauvages de lettres restent ses valeurs sûres et se développent sur les murs des villes, terrains vagues, friches depuis plus de 20 ans. le fond, la forme, le sens : en créant de grandes compositions originales, ema pose son nom comme un défi à la réclame omniprésente. 

https://www.facebook.com/misterema.oner

https://www.instagram.com/explore/tags/misterema/

 


ESPION

 

Dès son plus jeune âge, Espion démontre un soin particulier dans le dessin. Adepte de la bande dessinée  et sensible au graphisme de tout temps et cultures, c’est en 1984 qu’il assoit sa passion picturale mais surtout qu’il lui prête une forme : le graffiti.En trois décenies, cet artiste a contribué à grands nombres d’actions dans le souci du développement de sa discipline. On lui reconnait du reste un talent qui le place au rang des meilleurs graffeurs français à ce jour.

Riche d’expressions, son travail reflète une dimension colorée, où poésies s’entremêlent de couleurs aux tons chauds et contrastes harmonieux.

Portraits en hyperréalisme côtoient lettrages poussés, paysages fictifs ou reproduction fidèle sur des grandes proportions, rien ne semble vraiment lui échapper.

Polyvalent dans son art mais aussi dans les techniques, du mur à la toile en passant par le mobilier urbain, de l’aérosol au pinceau, mais aussi Bodypainting,le bois et moulage de résine, l’artiste jongle avec supports et outils lui ouvrant ainsi un champ large de possibilités.

instagram : Espion_graff


FEEK FEEK

 

Entré dans les galeries sous le nom de FEEK FEEK, il a commencé sa carrière comme graffeur au début des années 90 au sein du HG crew sous le nom de FEAK 2.FEEK FEEK a commencé il y a une dizaine d’année à explorer d’autres médiums que la bombe de peinture Aérosol. C’est ainsi qu’il s’est pris de passion pour une matière encore inexplorée dans l’art urbain : le plastique sous toute ses formes, résine, pvc etc…

« lorsque je vois une forme qui me plait, je la moule. Je me balade toujours avec un kit de moulage avec moi.»

Il a au fur et à mesure des années apprivoiser cette matière capricieuse,en a appris les secrets. Aujourd’hui, son identité artistique est caractérisée par l’utilisation de la résine. Aussi bien exploitée dans la rue que sur des corps humain, cette matière (combinée à sa technique) lui permet d’appréhender tous les supports.

FEEK FEEK édifie la coulure, motif graphique archétypal de l’histoire de la peinture,motif hypnotique chargé de tant de sens dans l’univers du street-art.De cette coulure, il en fait des tableaux, des sculptures et des objets. Il utilise les coulures comme d’autres utilisent les pinceaux. FEEK FEEK innove et la beauté de sa proposition artistique suit.

https://www.facebook.com/feek.feek.568

https://www.instagram.com/feekfeek.art/

 


GEMMA FERRON

Plasticien, Vidéo-artiste, Poésie-audiovisuel, depuis de 1999. Métier Graphiste,  Direction Artistique de publications numériques et livres de art. Membre fondatrice de l’association, Moviment d’alliberament digital, MAD, nov 2002, Barcelone.  Après 2018 organisatrice du festival ELLE sur ELLE, Montreuil.


SANIA GINZBURG

Sania Ginzburg (poète, conteur, slameur) est né deux fois. la première fois, c’était dansl’ombre du rideau de fer, à moscou. la deuxième, dans la lumière tamisée d’une scène slam, à paris. De ce mélange de rouge et de blanc, de froid et d'incandescence qui imprègne tour à tour ces deux cultures si proches et si lointaines, il a hérité et cultivé l’envie de témoigner de cette humanité en chacun de nous,et l’amour du mot juste qui arrime le rire au rêve.

https://www.facebook.com/saniaginzburg/

https://www.instagram.com/saniaginz/

saniag@hotmail.fr


 

MASCHA GUTTSAIT

 

Née en 1970 à Saint Petersburg. 

Formations dessin mode, graphiste spécialisée en identité graphique / édition. 

Directrice artistique de l'agence de communication multilingues.-mot.tiff Conceptrice curateur des événements annuels de soutien et promotion des artistes.

 


 

MANU IBRAHIM

 

Comme un écho à sa colère et à sa révolte, Manu Ibrahim est né en mai 1968 en France Métropolitaine. Dans les années 2000, il découvre la possibilité de s’exprimer et d’apaiser le choc de la perte d’un être cher par la création de« saynètes », collages atypiques de scènes de la vie. Près de 50 collages concrétisent ce passage à l’acte et libèrent son désir de peindre. La peinture lui ouvre l’expression de l’onirisme, des fantasmes, des peurs qui l’habitent, catharsisd’un soi méconnu et authentique.Autodidacte, son art est issu de son appréciation du monde actuel, de l’histoire, de son histoire. Peindre la complexité de ses origines en rythme avec la musique, en lien avec l’image, en miroir avec la société et son quotidien, font chaque joursa respiration…La question essentielle, existentielle, se tourne vers la mise en lumière du blanc, du noir, des couleurs, du mélange particulier qui crée la couleur de la peau, de l’Autre, personnage incarnant ses rêves, ses fantasmes, ses peines et ses douleurs. Seul mais rarement isolé, ses œuvres l’accompagnent dans cette recherche acharnée presque perpétuelle de son intériorité, de sa différence, de sa singularité. Alors les scènes de la vie jaillissent sur la toile, témoignage d’une possible identification par tous. La plume de sa création artistique, nous fait vivre par le blanc, le noir, la couleur, l’inanimé et le sentiment de liberté…  « Je pense qu’à partir de moment où je peins, il ne peut rien m’arriver, je sais désormais comment m’en sortir. Créer est avant tout pour moi une fuite en avant… »Artiste non, fugitif oui…

https://www.facebook.com/manu.ibrahim.14

 


ISA O

Elle se sent venir d'ici et d'ailleurs. 

Auteur, compositeur et interprète, Isa O prépare actuellement son premier EP : artiste très inspirée par la chanson française, ses arrangements empruntent tant à la soul qu'à la pop, le reggae hip-hop ou l'électro.

En parallèle d'un parcours professionnel varié qui la mène à une thèse d'anthropologie sur la gestion du littoral ouest-africain, Isa O est aussi une apprentie circassienne, perchée depuis son enfance dans les arbres. 

Installée au Sénégal, la danseuse aérienne se produit seule en scène ou en collaboration avec des artistes de Sen'Cirk. A Dakar, elle ouvre en 2013 le tout premier atelier de trapèze fixe et continue depuis à enseigner cet intime rapport au mouvement, à la hauteur, la force et le lâcher-prise, dans le respect du corps de chacun. 

Pour le festival "Traits d'Union", Isa O s'associe au slameur contrebassiste Dgiz, pour une envolée poétique improvisée !

Instagram : isa.o___

Mail : isabelletrapeze@gmail.com 

 


JOH  (SOLID'ARTS OF)

 

L’art de joh’ est une interprétation décalée et rêveuse des temps modernes, dans un monde biscornu , rempli de mécanique et de poesie. Ses personnages sont des magiciens, ils manœuvrent des machines mystérieuses, cherchant des réponses aux questions de la vie et luttant contre les états d’âme qui nous submerge parfois……. De la ratisseuse de haine au ponceur de tristesse, les créatures de l’artiste semblent comprendre la logique intérieure de la vie et du workflow. Avec aplomb et vision, ses créations, hommes et choses,nous apparaissent comme animés, en quête de leur propre chemin. JOh’ est le soudeur sculpteur de son propre monde

.http://www.gosseletjohann-joh.com/  

 


NIKO K

 

NicoKest poète,slameur,rappeur,improvisateur.Il a participé à la compilation musicale "Original Slam" (EMI), aux anthologies poétiques "Le Slam : poésie urbaine" (Ed. Mango/DADA) et"Blah !"(Ed.FlorentMassot/Spoke).Après son 1er album "L’Addiction et la Diction" (2014), il a sorti les EP "Sol-Air" et "Lune-Hiver" en 2018.Accompagné sur scène par Lawkyz (basse/beatmaking) et Lucas (batterie), il explore à la vitesse du son un univers sidérant et sidéral.

https://www.facebook.com/NICO-K-371623397669


OLIVIA LEGOUX / SILENCE 

 

« Faire passer des émotions, quelles qu’elles soient. Plongée dans l’univers de la peinture très jeune, j’en étais sortie pendant quasiment 20 ans, happée par le rythme de la vie..En Septembre 2017, j'ai décidé de stopper le travail que j'exerçais pour me consacrer uniquement à la peinture. J'y réfléchissais depuis quelques mois et j'ai sauté le pas. Je travaille désormais pour mes toiles uniquement à la peinture à l'huile, toucher la lumière, entrer dans la pénombre et façonner ces deux extrêmes pour en créer un univers onirique dans lequel tout est possible, m'est apparu comme une évidence. Une porte que je n'avais pas encore poussée jusque-là s'est ouverte et j'ai été happée dans cet univers. Je n'en sortirai désormais pour rien au monde.J’ai pu travailler et peindre dans un atelier au 59 rue de Rivoli, puis à Bagnolet pendant plus d’une année et je dispose désormais d’un atelier partagé aux Epernons, à Montreuil, depuis quelques mois. J’ai exposé dans différents lieux dont le 59 rue de Rivoli, Harmonie et Silence, El Pincho, Le cri du singe.Mon but principal en créant et en vendant mes toiles est de pouvoir contribuer, de par mon implication financière et physique, aux causes humanitaires qui me tiennent à coeur, dont la lutte contre l exclusion, la Planète sans qui nous ne serions rien, défendre les causes humaines et animales.Également peintre décorateur, je m applique, entourée d’une très belle équipe, à (re)créer des univers pour des restaurants, bars, spas... »

Page fb : Silence the Art of 

Insta : silence.lgx

silence.lgx@gmail.com

 


 

 SAMUEL MARTIAL (SOLID'ARTS OF)

«  Né à Metz en 1974, L'œuvre de Samuel Martial est complexe; à la fois brutale, fantaisiste et monstrueuse. Les tableaux sont parfois inquiétants et troublants, car il brouille les repères d'équilibre en brisant l'unité des corps et de l'espace. Sa représentation des figures et des corps humains traduit sa vision acerbe et satirique de la réalité et confère à ses toiles une force de conviction particulière.Cependant, cette atmosphère angoissante est aux antipodes de l'épanouissement et l'harmonie des couleurs. Les chromas francs et lumineux apportent vigueur et énergie aux tableaux. D'une façon générale, l'œuvre de Samuel Martial dégage une force brutale qui ne laisse pas le spectateur indifférent. La douleur y est exprimée de façon poignante et dramatique, sans aucune allusion à un évènement particulier, sans détail anecdotique. .  En résumé, son Art comme il le définit lui même est mystique onirique chamanique et poétique, il recherche les vibrations et l'énergie universelle.

https://www.facebook.com/SamuelMartialArtiste

https://www.instagram.com/samuelmartialartist/

 


SARAH MEUNIER

 

J’ai toujours aimé dessiner, c’est pourquoi j’ai fait Arts Plastiques à l’Université Paris1 St Charles. Je me suis d’abord prise de passion pour le Polaroïd. Le côté instantané de cet appareil m’impressionnait. J’aimais jouer avec la chimie en la stoppant et en arrachant la couche au moment du développement pour avoir des effets de texture sur l’image ; une matière. J’ai ensuite découvert le Holga, appareil Lomographique gadget, ayant la particularité d’utiliser des pellicules 6X6, il laisse passer aléatoirement la lumière et crée des effets incontrôlables très graphiques. Là encore l’objet, la pellicule carrée, me fascinait. Mon principal sujet à part les voyages était à l’époque le miroir, ses reflets et moi-même car  je n’osai pas prendre les autres. Depuis toujours j’ai aimé l’image sous toutes ses formes. Petit à petit, je me suis mise à photographier les gens dans la rue.L’autre. La vie. Je cherche avant tout à saisir ce que je vois de plus touchant chez les personnes que je photographie.La photographie est pour moi une trace, une mémoire, peu importe l’appareil ou la technique. Elle amène, bien qu’ellesoit là pour dater, une intemporalité difficilement localisable surtout en noir etblanc. Cette contradiction amène à penser une certaine unité de notre histoire.Les regards, les façons d’être, les émotions n’ont pas d’époque. Aujourd’hui tout va vers une mise en avant du virtuel, à défaut d’accepter notre nature et de développer nos propres capacités, ma démarche est de montrer la beauté, la force des gens, leur naturel. Les plus belles et les plus grandes choses se font lorsque nous nous laissons aller, lorsque nous oublions nos limites, nos a priori. Rien dans tout ce que je fait n’est calculé. Nous passons à mes yeux à côté de l’essentiel en voulant tout rentrer dans une case. C’est pourquoi tout cela n’a pas vraiment de sens, il s’agit juste d’une balade qui est avant tout la pour être regardée et je l’espère, amener un peu de légèreté. Un témoignage de ma façon de voir et de vivre le monde. Rien de plus, rien de moins.

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https://www.facebook.com/sarah.meunier.


MOHA

 

Moha hamadaoui est photographe autodidacte depuis plus de 20 ans. d’abord assistant de photographes de mode, il entame une carrière solo dans le domaine du reportage. en stage à l’afp Toulouse, il couvre des événements politiques et culturels. passionné des territoires urbains en noir et blanc, au fil du temps sa vision se fait plus artistique. il participe aux rencontres de photographie d’arles. dans ses photographies, le point de vue est toujours original, les lignes prégnantes et le mouvement suggéré. dans la série «l’aire glaciale solarisée»,il donne une libre interprétation de vues par le décalage des couleurs.

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MOIKA

Je suis née en 1987 sur l’île de Marie-Galante. J’ai étudié les arts graphique et plastique puis obtenu en 2014 un Master art contemporain et nouveaux médias. Mes travaux plastiques sont basés sur des tâches mécaniques et répétitives, construisant des d’images fantôme, entre matérialité et immatérialité. Ces travaux sont déclinés au travers de médiums tel que la peinture et la photographie, utilisant des méthodes de reproduction multiples: photocopie, sérigraphie, transfert retravaillé au Rotring ou au Posca, à l’encre de chine... L’image est soumise et est prétexte à la démultiplication, jusqu’à la perte de sens, dans une volonté de questionner la perception, les sentiments.

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MOSKO

 

En 1989, Gérard Laux commence à peindre des animaux de la savane signés Mosko dans le quartier en péril de la Moskowa, au nord du 18e arrondissement. L’année suivante l'aventure devient collective sous l'appellation Mosko et associés, avec toujours cette même et simple ambition : embellir le cadre de vie. En 2004 c'est la première transposition des animaux de la rue à la galerie, à l’occasion de la sortie du livre Peignez la girafe. Girafes, zèbres, félins sont peints sur bois, palissades et autres supports de récupération, et accèdent ainsi à une toute autre réalité. A partir de 2005 et Section urbaine, qui marquera l'apogée du collectif, Gérard Laux développe son travail dans l'atelier d'Aubervilliers puis de Montreuil tout en continuant à peindre dans la rue. La popularité que les oeuvres réalisées y connaissent et l’aval des institutions le confortent dans ses efforts et le conduisent à trouver sa place sur le marché de l’art. Passages en ventes aux enchères, expositions collectives et personnelles, sa carrière se développe en France notamment avec une participation remarquée à la Tour Paris 13. S’inscrivant à la fois dans une démarche de continuité et de renaissance Gérard Laux retrouve, à compter de 2015, sa signature originelle à savoir MOSKO. Tout en persistant dans une thématique animalière, cette année de mutation sera également celle d'une nouvelle approche technique. Elaborée lors d'une résidence d'artiste à Dune (Pondicherry) en février 2013, puis inaugurée dans la rue en février 2015 lors de la Kochi Muziris biennale (Kerala), cette dernière utilise pleinement peinture acrylique et pratique du pinceau. L'usage d'un pochoir monochrome de finalisation devient alors un simple outil. Cette nouvelle approche le libère à tous points de vue, apportant une grande fraîcheur dans le renouveau. 

https://www.facebook.com/gerardlauxdit.mosko

https://www.instagram.com/moskogerardlauxdit/?hl=fr

 


MR PEE

 

Mister Pee est un graffeur, illustrateur, colleur qui collabore également avec la presse, et l'édition. Il intervient régulièrement dans la rue par le biais de collages et de peintures murales. Son univers loufoque est le théâtre de saynètes et d’images-rébus qui interrogent les sentiments et les humeurs de la condition humaine. Mister Pee se définit comme "un fabricant d'images" dont l'humour et la dérision sont la clé de voûte.

https://www.facebook.com/MisterPee.MrPee/

@misterpee01

 


 

JONATHAN MAX PIRREDON

 

Jonathan Pierredon a un passé d'activiste dans le mouvement français pour la liberté d'expression et est actuellement connu

pour ses portraits sur ferrotype, utilisant cette vieille méthode pour répondre au monde moderne. Né à Paris en 1976, il etudie la cinématographie à l'École Supérieure d'Études Cinématographiques.

En 1998, Jonathan a fait partie de l'association Ondes Sans Frontières qui a lancé une chaîne de télévision expérimentale pirate défiant l'industrie de la radiodiffusion française traditionnelle. Après avoir été fermée par la police, l'équipe a

ouvert une web tv dans café-concert, la Flèche d'or, dans une gare abandonnée. En 2002, il a participé à la réouverture du

Barbizon , une salle de cinéma resté fermée pendant plus de quarante ans.

Depuis 2008, Jonathan a travaillé dans l'industrie audiovisuelle et a réalisé des publicités et des vidéoclips pour de grandes sociétés telles que Easyjet, Nissan et Adidas. Parallèlement, il a réalisé des productions indépendantes et

en 2014, il a remporté le prix Posca au Festival du Film Urbain pour un film d'art à propos d'une oeuvre caché dans les catacombes.C'est à cette époque, inspiré par Michael Shindler, que Jonathan commence à explorer les techniques photographiques anciennes et ouvre en 2016 un studio et une galerie à Arles spécialisés dans la photographie au collodion humide. Il garde le studio ouvert pendant les Rencontres d'Arles et ses portraits sur plaque de fer sont devenus populaires auprès de la communauté photographique mondiale. Il continue à se déplacer entre les projets de film et le

développement de sa pratique du ferrotype,

http://www.portraitalachambrenoire.com

http://www.jonathanpierredon.com


POTAM ET NANEVA

 

POTAM, c’est le dénuement formel, la ligne économe, la matière faite chair sans cesser d’être monumentale. Les masses faussement statiques témoignent d’une vivacité en attente, déjà en mouvement. Les formes sont, par la souplesse et la sobriété, de purs volumes plastiques, solidement équilibrés.  POTAM est toujours fidèle à Traits d’Union. Il travaille actuellement avec les ateliers de moulage Lorenzi, mouleur statuaire depuis 1871, pour créer ses prochaines pièces qui seront présentées à l’exposition.

Avec la collaboration de NANEVA CONCEPT, le travail de POTAM évolue vers l’abstraction géométrique et l’art cinétique.Plusieurs œuvres cinétiques seront exposées, qui mettent en scène le mouvement, la lumière, les couleurs.Une autre suspension utilise les lois de l’optique pour faire voyager le visiteur dans le temps. Elle fait surgir les images des premiers films du cinéma français tournées 100 ans plus tôt dans les lieux-mêmes de cette exposition : le studio Albatros.Ce studio fut le « Hollywood » français des années 20. Les émigrés russes qui l’ont fondé le baptisèrent du nom du bateau qui leur avait permis de fuir la Russie. Albatros : un nom qui, aujourd’hui encore, abolit les frontières.

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POTAM :

www.instagram.com/p_o_t_a_m/

www.facebook.com/expo.potam/

NANEVA CONCEPT :

www.facebook.com/pages/category/Company/Naneva-Concept-1716713045225421

 


PSYCKOZE

 

Pionnier du graffiti en France, Psyckoze est sans doute l’un des rares artistes à avoir mener de front, avec une abnégation sans faille, un travail de peinture dans la rue et en atelier. Figure incontournable de l’underground parisien, il a déployé sous les rues de Paris, dans le labyrinthe des catacombes non officielles, un travail protéiforme (peinture, sculpture, mosaïque) qu’il a immortalisé il y a 3 ans dans un ouvrage « intime errance cataphile » publié aux éditions h’artpon.

Ses graffitis dans la rue, énergiques, précis et colorés, nourrissent son travail d’atelier qui conjugue aujourd’hui ses personnages, exécutés d’un trait, comme une signature, des scènes figuratives et son univers abstrait reprenant les codes de sa pratique dans la rue. Ses oeuvres sont régulièrement exposées par plusieurs galeries en Europe.

www.psyckoze.com

www.psylaboutik.com

facebook :psyckoze 156

https://www.instagram.com/psyckozenolimit/


LEEZA PYE

 

Leeza Pye est fille du New York des années 80. Elle y a connu ses punks, ses rues sombres, ses poubelles et ses enseignes racoleuses… elle n’a pas peur du noir. Au contraire, elle s’y plonge avec délectation et son rire est sa veilleuse, la petite flamme qui la guide dans les arcanes de sa psyché. Des origines du monde humain elle ramène des diamants bruts, des chimères, des Vénus inachevées : des enfants gais et tourmentés qui disent toujours la vérité. Comme elle !

 


ALLAN REUILLIER

 

Né le 18 Août 1975 à Saumur (49 Maine et Loire), Alan REULLIER passe sa jeunesse en région parisienne. Il mène plusieurs projets artistiques en collaboration avec d’autres artistes graffeurs sur les murs de Sarcelles et Garges-Lès-Gonesse (95, Ile de France) et sur les murs de Dugny, Saint Denis et Stains (93, Ile de France). Alan crée sa marque de vêtement « l’Art vous va si bien » durant ses études dans le secteur de l’aéronautique. Ses t-shirts et vestes taguées, seront distribués en banlieue Parisienne et en région ouest. Cette aventure vestimentaire s’arrête à la fin de ses études.En 1997, il s’engage dans l’aéronautique navale où il découvre de nombreux pays (Brésil, Afrique du sud, Sénégal, Angleterre, Ecosse, Pérou, Hongrie, Moyen Orient) et des influences d’autres artistes qui seront déterminantes dans ses recherches picturales.De 2000 à 2007, première exposition personnelle au Casino de Benodet, à la galerie Artattitude (Village Suisse Paris 15éme), à la Sorbonne, puis à la Galerie 33 (Bordeaux). Il participe au prix Fénéon  2002 (Concours réservé aux jeunes artistes parisiens). En 2008, Alan REULLIER expose sa série de toiles ou il associe l’huile à l’acrylique, au sable, à la terre, au bois et aux tissus : « Les mots et la matière ».En 2009, lauréat au concours des Diderot (Artistes en milieu industriel) pour sa série d’accumulation Aeroscult’. Il expose sur Paris ses premières toiles polytechniques où, couleurs et matières se combinent pour mettre en scène ses mots, ses phrases, ses expressions …Fin 2009, Alan part installer son atelier à Veigné en Touraine (37 Indre et Loire).En 2010, il propose ses premières peintures mono pigmentaires, fondées sur la réflexion de la lumière sur une surface noire. Le noir et l'or, l'ombre et lumière, un mélange des pôles où les extrêmes se conjuguent pour faire naitre dans chaque aspérité du noir une lumière picturale : "Noir et Moi" et "Silhouettes". Se succèdent de nombreuses expositions personnelles aux clubs d’affaires Barclays Banque d’Orléans (45) et de Blois (41).En 2011, Alan Reullier présente sa collection personnelle au Château de Tours : " Le Reflet de soi". Il est sélectionné pour la parade O’fish de la ville d’Orléans ou son projet rencontre un beau succès. Représenté  à la Galerie Design and Cook de Marrakech ou sont exposées les toiles de la série « Route Fès kilomètre 17 »En 2012, son buste « Jeanne » fut choisi pour participer à la manifestation Jeanne O' Contemporain inscrite dans le programme des fêtes Johanniques de la ville d'Orléans. La photographie de l'œuvre fut donc intégrée au diaporama crée pour les projections publiques pour les 600 ans de Jeanne D'Arc. Les antiquaires associés VAN RIJN le représente sur Tours (37) et La Baule (44). Sortie de son catalogue « Cherche dedans ». En 2013, Alan Reullier nous propose sa série de bustes : « Reflets d’Elles ». Sa source d’inspiration favorite : « La Femme », qui était silhouette, reflet de nous, est aujourd’hui devenue icône et porte les prénoms de ses muses, célèbres ou pas, ce sont ses femmes de cœur. La mairie de Montsoreau (49) lui commande une Marianne.En 2016, il se lance dans ses recherches pour sa nouvelle série « Noir Emoi ». C’est une année qui marque sa volonté d’associer le monde de l’entreprise à celui de l’art. La société Asphalte (entreprise en communication) invite Alan à exposer pour fêter ses 30ans, La famille Stipa (200 coiffeurs en Europe) lui demande de concevoir 6 mannequins qui serviront de base pour les coiffures et les tenues de 6 modèles lors de leur congre annuel.La galerie 21 (Tours) lui consacre une exposition sur ses Robots (série Aerosculpt’). Cette année se clôture sur l’exposition du même nom que la série produite « Noir Emoi ». C’est la première exposition où ses deux séries  produites en entreprises sont assemblées. C’est le résultat d’une année de travail au sein de la société aéronautique Vectoraerospace France (filiale d’AIRBUS GROUP). Un lien social se créer avec tous le Staff de l’entreprise et celui qui est devenu « l’artiste de la société ». En 2017, Le monde de l’industrie aéronautique propose à Alan d’être l’invité d’honneur artiste plasticien pour le premier congre de l’aviation militaire. Il y rencontrera toutes les figures et leS légendes de la conquête spatiale française dont la personnalité du moment, Thomas Pesquet. Vectoraerospace France passe commande de plusieurs œuvres monumentales. Il persuade que « le faire savoir » est aussi important que « le savoir faire ». En 2018, la Sauvegarde de l’enfance ( association d’état), propose à Alan une collaboration avec Sami Nouri, un créateur de mode haute couture (Élève de Jean Paul Gaultier). Les créations ont été pensées spécialement pour cet événement, dont le clou de cette soirée caritative fut la vente d’un buste d’Alan « Marianne » sous les baguettes des ROUILLAC père et fils (commissaires priseurs).L’Armée de l’Air invite Alan à exposer ses Aerosculpt’ sur son stand lors des 24h du Mans. La galerie Sonia Monti (Dans le 8eme arrondissement de Paris), représente Alan pour ces travaux Aerosculpt’ sur la Capital.B.E.G. ingenierie sollicite Alan pour la réalisation d’une fresque sur leur stand lors du S.I.M.I. 2018 (salon de l’immobilier d’entreprise)En 2019, Le groupe Bernier, utilise les Bustes d’Alan qui sont associés aux photographies d’Elsa Bleda pour le lancement du dernier véhicule de la marque Lexus. La société Standardaero (leader de la maintenance mondiale en aéronautique) expose ses Aeroscult’ lors du salon international de l’aéronautique du Bourget en Juin. Alan fait la rencontre de Catherine Wilkening (actrice et sculpteur française), ensemble, ils commencent une collaboration sur des sculptures et des bijoux mêlant leurs deux matières de prédilection, le Titane et la porcelaine, leur alliance donnera naissance à Cateros.Suite à une très jolie rencontre avec Fabrice Claval, il est invité à rejoindre l’équipe des artistes graffeurs français pour exposer ses portes de métro de la ligne 1 de Paris au futur Parc du Street Art de Candes-Saint-Martin dans les jardins du château de Möh.Alan est repéré via les réseaux sociaux par Sveva Mansfredi (Curator Italienne). Très vite, elle l’invite à exposer dans un solo show à la Chiesetta della Misericordia lors de la 58th Biennale de Venise en juillet et Août. 

 


LIONEL SABATTE  (SOLID'ARTS OF)

 

Né à Toulouse en 1975. Vit et travaille à Paris et Los Angeles.Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2003, Lionel Sabatté a reçu plusieurs prix artistiques tel que le Prix Yishu 8 de Pékin, le Prix Drawing Now en 2017 et a reçu le Prix des Amis de la Maison Rouge qui lui a permis de produire une œuvre, présentée au sein du patio de la fondation en 2018. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions monographiques en France comme à l’étranger, intégrant plusieurs collections institutionnelles.

La sphère du vivant ainsi que les transformations de la matière dues au passage du temps se retrouvent au coeur du travail de Lionel Sabatté. L’artiste entame depuis plusieurs années un processus de récolte de matériaux qui portent en eux la trace d’un vécu : poussière, cendre, charbon, peaux mortes, souches d’arbres... Ces éléments sont combinés de manière inattendue et les œuvres ainsi créées portent en elles à la fois une délicatesse mais aussi une « inquiétante étrangeté », donnant vie à un bestiaire hybride dans lequel des créatures des profondeurs abyssales côtoient des petits oiseaux des îles oxydés, des ours, des loups, des émeus, des chouettes, mais aussi des licornes … Pratiquant à la fois la peintre, le dessin et la sculpture, Lionel Sabatté tâche de faire dialoguer l’ensemble de ses oeuvres dans une interconnexion permanente. Ses recherches sur le minéral, l’animal, l’organique en somme, donne lieu à des oeuvres poétiques, sensibles, troublantes et qui participent à une réflexion globale sur notre condition et la place que nous occupons dans notre environnement, comme en témoigne son oeuvre la Meute de Loups en poussière présentée en 2011 au Museum d’Histoire Naturelle de Paris, devenue une oeuvre emblématique des questionnements liés aux problématiques environnementales. C’est par ce biais qu’on lui propose en 2014 une exposition à l’Aquarium de Paris, qui fut particulièrement relayée par la presse et dont l’une des thématiques était d’attirer l’attention sur la sur-exploitation des ressources maritimes. Un parcours dans la ville de La Rochelle sur le thème de l’eau et des ressources naturelles lui a ensuite été proposé. Enfin, plus récemment, Lionel Sabatté a bénéficié d’une exposition personnelle au Musée de la Chasse et de la Nature, « La sélection de parentèle », portant une réflexion sur le vivant et l’évolution. Ses travaux récents, des grands oiseaux en bronze oxydés présentés en 2019 à Lyon dans le cadre de l’exposition « Qui sait combien de fleurs ont dû tomber » (Nouvel Institut Franco-Chinois, Fondation Bullukian, Musées Gadagnes) et à Toulouse à travers l’exposition « Lionel Sabatté : sculptures » (Centre d’art nomade) l’amènent à redéfinir son rapport à la sculpture et à réinventer sans cesse sa pratique artistique.

http://lionelsabatte.org/index.html


SAPES COMME LUCETTE

 

 Friperie itinérante, Lucette elle a cet oeil et ce goût pour la pièce unique. Elle chine et sélectionne avec amour les fringues du monde entier une par une, elle te déniche toutes les pépites oubliées dans les malles de mamie et papi ! 

Des années 70 aux années 90, elle aime les chemises colorées, les fleurs, les imprimés barrés, les pattes d'éph, elle fait renaitre la mode durable, responsable et engagée depuis trop longtemps oubliée.

https://www.facebook.com/sapescommelucette/

 


SAKI

 

Saki a commencé par le développement argentique à l'age de 16ans, le modelage à l'argile et collage également. Ce sont ses médiums de prédilection. Ses premières expositions ont lieu à Belgrade sa ville d'origine et de coeur. Suite à  un long moment de retrait, elle revient grâce à Art of Popof et à trait d'union en 2015 qui est à l'origine de sa reprise artistique. Son univers est divers et varié,mais guidé par des lignes bien distinctes l'opposition entre la nature et l'urbanisation,l'imaginaire via l'abstraction et la poésie visuelle, graphique, dans un monde de plus en plus laid. Atteinte de paréidolie elle voit des formes concrète dans l'abstrait, cela guide beaucoup son travail.  Ses images sont une porte ouverte au voyage et à l’introspection, un peu comme les tests de Rorschach. Chacun y voit autre chose, quelque chose qui colle à sa propre histoire. Et cela lui plait. Aujourd'hui elle utilise un Pentax k5, un Nikon d700 ou son téléphone et d'une photo grâce à un logiciel de mise en page layout créée des compositions visuelles, d'ou le terme choisi faiseuse d'image et non photographe.


 saki_li_art@instagram.com

sakiphoto93@gmail.com

 


 

CLEMENT SCHOEVAERT

 

Clément Schoevaërt est dessinateur. Il vient d'une longue tradition familiale de faiseurs et faiseuses de dessinsIl pratique l'art de la gravure sur bois et sur lino et donc de l'impression sur tissus et papiers. Il sort du cadre traditionnel de la représentation picturale en collant des agrandissements papiers de ses œuvres gravées dans la rue. Parallèlement il pratique l'art du marionnettiste qui lui donne envie de présenter ses œuvres sur modules carton et bois. Il confectionne des objets du quotidien, usuels et pratiques où il imprime son travail et son imaginaire. Il a décoré de nombreux bars de Montreuil ou son sens de l'esthétisme trouve sa place et un écho très vivant dans le peuple de la nuit, des esthètes alternatifs et des scènes musicales.

https://www.instagram.com/schvrt/?hl=fr

https://www.facebook.com/Schvrt

 


SIDNEY

 

Sidney ,né en 1978  ,débute avec le graffiti en région parisienne ,influencé par l'explosion du mouvement hip hop des années 90,  à laisser des traces sur les voies ferré les camions de belle ville avec moze, les murs et le mobilier urbain en tout genre, il commence à peindre sur toiles vers 2001,puis se tourne vers d autre média comme la sérigraphie en 2013 et créé la marque ar-tee avec stayreo. Cette année 2019 le mucem à acquit une oeuvre de l'artiste visible au ccr de Marseille, une maquette de métro de la ligne 13 exposé à l albatros à l'exposition collective traits d union.

https://www.instagram.com/sidne187/

https://www.facebook.com/profile.php?id=100010544912753

 


 

MAX TETAR

 

Né en 1977 à Paris, Tetar a vécu à Rennes et à Toulouse avant de revenir dans sa ville natale. Guidé par son intérêt pour les arts visuels depuis son plus jeune âge, Tetar a suivi des études dans le domaine artistique. Son parcours et sa personnalité l'ont conduit à développer un code graphique qui lui est propre, intimement lié à ses affinités et à son approche de l'art."Mon travail se situe entre la peinture et l'écriture, le tag, l'art brut, l'écriture automatique, l'expressionnisme abstrait, la peinture gestuelle, l'art primitif, l'art aborigène, etc. Je recrée des rituels de peintures, des gestes d'écritures ou de peintures non réfléchis et spontanés".Dans l'acte de peindre, Tetar Max reste fidèle à son instinct, retranscrivant à la perfection le caractère primaire et primitif... nous entrainant dans un voyage espace-temps visuel hors du commun.

https://www.instagram.com/tetarnor5/?hl=fr

https://papierxcrayon.fr/collections/max-tetar

maxmbour@gmail.com

 


TIGE

Les T.I.G.E (les travailleuses d'intérêts généreux d'extérieur)Nous sommes trois copines, plasticienne, sculptrice et peintre qui depuis 2016 avons regroupé nos forces pour faire du grand, des installations pour divers festivals (festival des Murs à Pêches de Montreuil, les Tropikantes à Vincennes, le 6B à Saint Denis, le cri du singe à Montreuil).Nous sommes toujours en quête de nouveaux lieux qui nous inspirent pour réaliser des installations chaque fois originales et adaptées aux univers qui nous accueillent.

Fb: TIGE

Instagram : lafeesdesfriches

Mail. tigecontact@gmail.com

 


TO

 

Antoine FAURE dit TÔ est poète, auteur, compositeur, interprète. Il a bien routé et poétisé avec beaucoup. Vu et reconnu sur la scène Slam française et internationale, il a promené sa poésie un peu partout : en France, en Allemagne, Estonie, Italie, Autriche, Suisse, Belgique, Maroc, États-Unis, Canada, Caraïbes. Notamment avec Uppercut et Poésie United. Et il compte bien continuer...Aujourd'hui, Il tourne en solo : ORPHÉE SANS FREIN  son set de chansons électros, CHALOUPE ÉLECTRIQUE son live mix et accompagne Sebseb en tant Beat Boxeur sur sa nouvelle création : LE ZÈBRE.

https://www.facebook.com/antoinefaureto

 


TRISTAM

 

TRISTAM débute sa carrière musicale comme chanteur dans le groupe punk « Guilty Razors ». Le gang s’autodétruit après trois ans en conclusion de son concert à l’Olympia en 79 .De 1980 à 1990 il sévit dans le collectif de peintres « les musulmans fumants »avec Francky boy , Waty, Fabrice Langlade , gangloff & Cesar maurel.

Il est révélé au grand public en 1988 grâce à sa chanson « bonne humeur ce matin»  . Depuis 1992 il a repris a plein temps son activité de peintre...Objet d'un culte souterrain sur toute la planète , le travail de Tristam est a la fois complexe et d'une rare facilité d'absorption .D'aucuns le taxeront de néopopisme , mais il serait un peu simple d'ignorer les différents niveaux de lecture innèrrants a son travail.Non, le plus juste comme le dit si bien Alphonse Allais est "de se faire une idée par soi-meme ,  meme si elle est fausse" ... 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Tristam_Nada

 


URM

 

Samuel Nathan (aka URM) né le 1er avril 1978 à Saint Brieuc, vit et travaille à Paris Peintre, graffeur, illustrateur, vidéaste, Urm étudie la bande-dessinée aux Ateliers du Carrousel, puis les arts-plastiques à l’université (Paris 1 Saint-Charles). Après avoir créé son propre collectif (DFKON) avec ses amis de lycée, il rejoint, en 1998, le sound-system électro junglist, Mas I Mas, pour lequel il réalise, avec les artistes-peintres Radikal Utopia et Stayreo, de nombreux décors de rave party, dans des lieux aussi insolites que des usines désaffectées, champignonnières, squats ou encore les tunnels de la voie de petite ceinture.Ses thèmes de prédilections se font alors jour, un univers industriel, fantasmagorique, ultra-saturé où se mélangent des inspirations venues de la bande-dessinée alternative,  steak punk, pop art C’est l’époque bénite des free partys en France, qui lui permet de nombreuses collaboration avec d’autres artistes musicaux (Heretik, Spiral Tribe, Facom Unit, Furious…) et picturaux (Popay, Toma Gnetik, Psychose…) En 2010, il fonde le collectif Painthouse, qui regroupe des peintres-graffeurs (Mister Ema, Popay, Carolyne, Stayreo, Popof, Mister Pee, Clement Schoevaert), des vidéastes (Jonathan Max Pierredon, Tomdoe, Doctor Doom), des photographes (Moha, Kwensu, ZaNat) et des Djs (Ninapro, Almazone, Charles Tox). Ensemble, ils réalisent plusieurs stop-motion autour du graffiti, et Urm commence à travailler sur l’image animée en réalisant notamment la performance Pinball, qui allie Vjing et graffiti. Il participe par ailleurs, avec ses acolytes à de nombreuses expositions, telles les éditions de Traits d’Union organisées à l’Albatros à Montreuil ou encore le festival Artaq d’Angers.En parallèle, Urm travaille comme graphiste pour des projets culturels (le Mucem, le label Galletas Calientes, l’association Neo Pop Art, etc.) ou des marques (la brasserie d’Aix-en-Provence, Bière Pol jack) et comme monteur d’expositions notamment au Palais de Tokyo. C’est dans ce cadre qu’il est invité à participer à l’exposition le “Palais des monteurs” en 2016.Depuis 2018, Urm se consacre plus amplement au Vjing , à l’élaboration d’installation vidéo (mapping…) et travaille pour le service audiovisuel de l’université Sorbonne Nouvelle (Paris 3)https://www.instagram.com/urmlefou/

https://www.behance.net/samuelnathan


CATHERINE WILKENING

Avec une carrière de comédienne depuis l'adolescence et de multiples films primés à travers divers festivals, comme Cannes, Montréal, dont un nominé aux Oscars, avec l’écriture d’un livre « les mots avalés » édité chez Michel Lafon- un jour, il y a 16 ans, la nécessité de mettre les mains dans la matière organique s'impose à Catherine Wilkening, la terre lui devient aussitôt vital. Sollicitée pour exposer, pendant plus de dix ans elle refuse de montrer ses sculptures. Elle prend le temps d’apprendre à se foutre du regard de l’autre…Aujourd’hui, elle est représentée par Loo&Lou Gallery à Paris et la Galerie Valérie Aymeric à Lyon.Ses sculptures s’inspirent et se nourrissent depuis toujours de la figure féminine, avec pour thème obsessionnel : la naissance, le chaos, la mort - la renaissance –, ou encore la dévoration et le cannibalisme.« A la fois mystique et baroque, l’univers artistique de Catherine Wilkening entremêle rêves et cauchemars, brutalité et raffinement, et le sombre au blanc. La représentation omniprésente de croix, de totems, de femmes cannibales, de femmes fleurs, d’aigles, de chrysalides, de coraux… évoque des légendes, des mythes en lien avec ses émotions profondes. »En 2010 elle obtient le prix de la sculpture avec la Fondation Peugeot à Paris, elle expose à Paris en 2015 à la galerie Caroline Tresca, puis à Bangkok et à Art Stage à Singapour avec la Galerie YenakArt Villa, puis à nouveau en France avec diverses galeries tout en participant à des expositions collectives à Lisbonne… En 2019 elle présente ses œuvres au Grand Palais pour Art Paris avec Loo&Lou Gallery.

Site : catwilk.com

Instagram : cat.wilkening

 


XISLOST

 

Avec un nom aussi étrange, vous pourriez penser que je n’ai pas envie qu’on s’en rappelle... Vous avez essayé de le prononcer en plus ? C’est absurde. 

Jusqu’à ce qu'on le découpe en trois morceaux : X is lost. 

Vous êtes autant X que moi, nous sommes les anonymes qui parcourent le chemin de leur existence et parfois se croisent. C’est pour cette raison que j’ai décidé d’utiliser la photographie pour figer la beauté imparfaite de ceux qui passent devant mon appareil et de partager ces émotions avec vous.

 Instagram : Xislost

Facebook :  Xislost Photography

E-mail : xislost.photos@gmail.com

 


YAS & WHETZEL

 

Poète performeuse et Activiste du mouvement slam depuis 2005. J’écris des poèmes depuis mes 9 ans, depuis ce premier vers “La lune est si belle que parfois je parle avec elle”. Adepte d’une écriture brute, automatique et flirtant avec les fleurs immortelles du surréalisme. Le théâtre a été ma première expérience de la scène, le slam mon premier terrain de jeu, j’ai participé à plusieurs grands slams nationaux puis la musique très vite est venue me chercher. Je me produis sur scène seule ou accompagnée de musiciens, performeurs, acrobates depuis 2007

TRANSMISSION

Enfant, je jouais a la maîtresse, Je ne savais pas encore qu’être artiste professionnel c’était un métier… Des que j ai compris que je ferais du spectacle vivant mon métier et mon engagement, pleine de mon empathie débordante et de ma volonté de transmettre les valeurs du slam et les bienfaits de l’écriture j’ai commencé les ateliers Slam, faire écrire, faire dire, permettre à chacun de se chercher dans l’écriture et la performance orale. Ainsi, en parallèle de mes activités artistiques personnelles, je monte des projets d’ateliers d’écriture, de performance slam, de création de spectacles poétiques et musicales avec des publics amateurs et développe cette pratique avec divers objectifs artistiques et socioculturels liés à l’écriture et à la mise en voix et en musique.

http://yaspoetry.com/

https://www.facebook.com/yaspoetry/

 


YOM & AYNE de TKO

 

Le sculpteur Yom est né à Paris en Juillet 1970. Il se passionne pour la peinture et le modelage dès son plus jeune âge. Il découvre ces mediums dans un atelier de restauration pendant plusieurs années. Il participe à de nombreux attentats artistiques avec Maze et le 92 DBC. Après des études ratées en sciences politique et en journalisme, il s'engage à 24 ans dans la Légion Étrangère, où il servira au 2ème REP et à la 13ème DBLE jusqu'en 2001. Il part ensuite deux ans aux USA chez sa tante Niki de Saint Phalle pour parfaire sa formation artistique, puis rejoint Raymond Hains à Paris jusqu'en 2005. Aujourd'hui Yom travaille avec des prescripteurs et des collectionneurs dans le monde entier. En 2019 le Musée de la Légion étrangère à Aubagne lui consacre une grande rétrospective de 6 mois, qu'il utilisera notamment pour introduire le street art au cœur de l'institution. Il y invite le graffeur Ayne du collectif marseillais TKO à peindre l'une de ses pièces lors d'une performance remarquée. 

https://www.guillaumedesaintphalle.com/Biographie-de-Yom-de-Saint-Phalle_a20.html

 

 


D’AUTRES ARTISTES . . .


LIL’THUGS   

http://www.lilthugs.com/fr/?fbclid=IwAR1hVTkuGyU0CxonX055yTXtlF9RCVmiLguCLqUeB7gBy4wCSQT1ifjV13k

 


VIDA LAUCA 

 

https://www.facebook.com/VidaLauca

 


FIVE 

https://www.facebook.com/objectif.art

 


 

MARTIN PERONARD

https://www.facebook.com/martin.peronard


RORE390

https://www.facebook.com/philippe.zerengraff


JEAN FABIEN

https://www.facebook.com/jfabpix


BAULT

https://www.facebook.com/leon.bault    

 

AINSI QUE …

 

ALEX LE PIRATE,  VOZ’L, FANTAZIO, JVDGE, LOULOU, ARK, LUCK MY LEGS,PIT Spector, RAPHAEL ET LAURENCE MONCHABLON, TORPE,NEN,  JOHNNY MONTREUIL, ABASTRAK , AMADEO, LEEZA PYE, NUAGE 40, ALEXANDRE DEANESI, MYRIAM FARHANE, PIERRE M, STEVE MC DERKA QUARTET, VOODOO SOUL, TREIZE BIS, Alain TANG,H2H, YMANOL PERSET, DOUDOU RH, STESI, JULIO INTI, TOPICAL BONGO  ...